miércoles, 9 de diciembre de 2015

ORQUESTA DE IMPROVISACIÓN DE MÁLAGA ESTE SÁBADO EN LA MORADA SÓNICA

La Orquesta de Improvisación de Málaga se forma en Septiembre de 2013 y desde entonces ha estado ensayando regularmente en el Conservatorio Superior de Música de esta ciudad. Formada por estudiantes del Conservatorio y otros músicos y bailarines residentes en Málaga, integra la danza como un elemento más y se proyecta como un colectivo artístico abierto a colaboraciones con artistas de otras disciplinas así como con compositores, artistas sonoros o coreógrafos que deseen realizar piezas para ser interpretadas por la orquesta, siempre manteniendo la improvisación como elemento principal del proceso. 18h:"TALLER DE CONDUCCIÓN E IMPROVISACIÓN DIRIGIDA" El límite entre composición e improvisación en la música formal se ha ido diluyendo desde comienzos del Siglo XX y las estrategias creativas se han multiplicado en busca de nuevas formas de combinar estos elementos. Sistemas , partituras gráficas, aleatoriedad, o simbologías alternativas son algunas de las herramientas que se han ido usando para la creación musical. La conducción se basa en la dirección orquestal al uso, aunque utiliza signos mucho más concretos para suplir la ausencia de partitura, dejando al músico un amplio espacio de interpretación de la seña dada y dando prioridad a la creación grupal en tiempo real. La conducción es una metodología flexible y abierta a cambios y adiciones que está diseñada para coordinar formaciones grandes de improvisadores. Así surgió en los años 80 de la mano de Butch Morris y desde entonces ha sido usada por numerosísimos músicos y compositores, tantos como maneras de conducción hay. Cada vez más demandada como elemento pedagógico muy importante en estudios musicales tanto superiores como elementales, la improvisación conducida se encuentra en programas de conservatorios y escuelas de Europa y EEUU y comienza a utilizarse en conservatorios y escuelas de música de España. Durante este taller aprenderemos de forma activa algunas de las señas más comunes y trabajaremos diferentes estrategias de creación espontánea para formaciones grandes. Con una idea clara de sembrar el germen de una agrupación estable, este taller está dirigido a músicos profesionales y aficionados interesados en la improvisación y la experimentación. A partir de este taller, aquellos que lo deseen podrán integrarse en una formación estable que trabajará la improvisación, la conducción y otras formas de trabajar en grupo de manera regular. Imparte: Javier Carmona. 18h 10 euros. 21.30h: CONCIERTO DE LA OIM. https://orquestaimprovisacionmalaga.wordpress.com/ https://youtu.be/3azAHauWKtI

martes, 24 de noviembre de 2015

MALAVENTURA MULTIMEDIA ARTIST ESTE SÁBADO EN LA MORADA SÓNICA

...Crear un bucle físico, escuchar el bucle, muestras de extracto de ese bucle, el bucle ... con la ayuda de una vieja cinta grabada, un cut-up gigante de cinta cerrada en un bucle y un ordenador portátil con Ableton... Inside the Loop" es una performance sonora pero también puede servir como una clase practica de como hacer un loop analógico de cinta gigante o un ejemplo presencial de la técnica del cut-up de Gysin/Burroughs, puedes verlo como una instalación sonora que contrapone la pesada maquinaria analógica y lineal con raices en Anticitera con la liviana techne digital y no lineal impulsada por Turing, O ver en la destrucción y recomposición del material sonoro producido por el loop de cinta una metafora de la muerte de Orfeo despedazado por las Bacantes... O quizá solo veas a un tipo en el centro de una estructura, creada con cintas magnetofónicas, pies de micros y un magnetofón de los años 70, haciendo ruido. A PARTIR DE LAS 21H, SÁBADO 28 DE NOVIEMBRE, LA OFICINA PRODUCCIONES (ALMERÍA). https://vimeo.com/35795044 http://malaventura.net/website/now/

viernes, 23 de octubre de 2015

DAL VERME CON STAHLFABRIK INAUGURAN LA TERCERA TEMPORADA DE LA MORADA SÓNICA MAÑANA

DAL VERME con STAHLFABRIK en la MORADA SÓNICA SÁBADO 24 DE OCTUBRE 22 H LA OFICINA (ALMERÍA) Comienza la tercera temporada del Ciclo Morada Sónica, organizado por el Colectivo Morada Sónica de Almería y dedicado a la creación, difusión y confusión de las Músicas Otras y Experi_mentales. DAL VERME: Ruido. Cada ruido tiene su propia sensación. Nuevas sensaciones. Combinaciones de sensaciones, buenas o malas, extrañas o reconocibles, distintas o parecidas. Vivimos rodeados de ruido, entre silencio y silencio. Entre ruidos. Los que escuchamos, los que ignoramos, los que están ahí. Los que se pueden manipular, utilizar. Capturar el sonido y procesarlo... .. Silencio. John Cage. "La música que prefiero, incluso más que la mía, es la que escuchamos cuando estamos en silencio". .. .. Vacío. Ciegos y sordos. O dejar de serlo. Escuchar el sonido y el silencio o verlo, o sentirlo, o disfrutarlo, o sufrirlo, o simplemente ignorarlo... .. La música es organización de sonidos, silencios, y duraciones que construyen edificios audibles... .. Cualquier medio para producir sonido es lícito... .. .. https://dalverme.bandcamp.com/ http://moradasonica.blogspot.com.es/ http://laoficinacultural.org/ https://www.youtube.com/watch?v=ITSfNTnas0M&sns=fb ARTISTAS CONFIRMADOS PARA LA TEMPORADA 2015-16: MALAVENTURA ARTIST, ORQUESTA DE IMPROVISACIÓN DE MÁLAGA, JAZZNOIZE+TAIS BIELSA presentan "ÓXIDO", JORGE HARO....

domingo, 4 de octubre de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 3 DE OCTUBRE DE 2015 - JULIÁN CARRILLO



Ya disponible podcast de la Morada Sónica de Radio Candil dedicado a JULIÁN CARRILLO, pionero de microtonalismo JULIAN CARRILLO, que desarrolló desde finales del siglo XIX un corpus original de música microtonal, que fructifica en toda una metodología (Sonido 13), aplicada a la música sinfónica, o a la construcción de nuevos instrumentos como el piano metamorfo, o el arpa microtonal.

domingo, 27 de septiembre de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 26 DE SEPTIEMBRE DE 2015 - TROPICALIA




PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 19 DE SEPTIEMBRE DE 2015 - CONCIERTO DE KRAFTWERK EN PARADISO, AMSTERDAM, 1976



En 1998, en una de tantas paseadas por la calle Tallers de Barcelona, el amigo Jaime, dependiente de la tienda "Revolver", me hizo pasar al almacén para ofrecerme una serie de joyas recién editadas en formato CDR, todas ellas del grupo KRAFTWERK, todas ellas conciertos y de distintas épocas. Ni que decir tiene que me las quedé todas, desde los cdr's que contenían conciertos recientes (Barcelona Sónar, 98, Buenos Aires Obras 98...) hasta verdaderos incunables como el concierto de Roundhouse del 76, éste de Paradiso del mismo año, el de Leverkusen en el 74, conciertos de chicago y Denver en el 75, algunas cosas del 71... en fin, que me dejé una pasta en "Revolver" en ese día. También sobra decir que aquello fue casi el comienzo de mis compras compulsivas de material raro del grupo de Düsseldorf, ya que las apariciones de CDR's de KRAFTWERK no habían hecho más que empezar.

Pues bien, esta noche pasada, hablando en Facebook con el amigo Aitorreolid Duran Plaktom, me ha pedido este concierto llevado a cabo en el PARADISO de AMSTERDAM el 11 de septiembre de 1976, a poder ser en FLAC, pero como tengo el CD, he preferido ripearlo en WAV para uso y disfrute de mi amigo y de todo el resto de seguidores de este, vuestro blog.

Son diez temas recogidos en dos CD's, con una calidad de sonido más que aceptable habida cuenta la edad de la grabación y ojo a las versiones de los temas porque os sorprenderán muy gratamente.

No os digo más... disfrutad...



lunes, 14 de septiembre de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 12 DE SEPTIEMBRE DE 2015 - ESPECIAL HORACIO VAGGIONE



El argentino Horacio Vaggione nació en 1943 en Río Cuarto, la provincia de Córdoba. Es un compositor de música concreta y electroacústica. Estudió composición en la Universidad Nacional de Córdoba y en la Universidad de Illinois, donde obtuvo por primera vez acceso a las computadoras.
Vaggione vive actualmente en Europa, habiendo visitado muchos estudios acústicos durante los '70. 

Entre 1969 y 1973 vivió en Madrid, España, formando parte de ALEA y co-fundando Projects Music and Computer en la Universidad de Madrid. Fue el 50% del imprescindible disco de música electrónica IT VIAJE, junto a EDUARDO POLONIO. En 1978 se mudó a Francia, donde actualmente reside, trabajando para GMEB, INA-CRIM y IRCAM en París. Desde 1994 es profesor de música en la Universidad de París.

En 1978 creó esta obra maestra del medio musical electrónico que no debe dejar de escuchar ningún aficionado, es más, creo que junto con IT VIAJE, deberían ser material docente obligatorio.



lunes, 7 de septiembre de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 5 DE SEPTIEMBRE DE 2015 - MONOGRÁFICO BARTON & PRISCILLA MCLEAN


PRISCILLA MCLEAN es una compositora, intérprete, videoartista y crítica musical estadounidense. Nacida en Massachusetts en 1942, cursó sus estudios en la Universidad de Indiana, Bloomington, donde en 1969 empezó a interesarse por la obra de IANNIS XENAKIS, que enseñaba allí. Ha sido profesora en la Universidad de Indiana, Kokomo (1971-73), en el Colegio de Santa María, Notre Dame (1973-76), en la Universidad de Hawaii (1985) y en la Universidad de Malasia (1996). De 1976 a 1980 se creó la American Society of Composers' Radiofest series. En 1974 ella y su marido, Barton McLean, comenzó a trabajar juntos bajo el nombre de THE MCLEAN MIX y en 1983 para presentar conciertos de su propia música a tiempo completo. Ella canta con técnicas vocales extendidas y toca el piano, sintetizador, violín, percusión y flautas de madera amerindias, así como instrumentos de nueva creación. Como THE MCLEAN MIX, la pareja ha realizado conciertos y clases magistrales en Estados Unidos, Europa, el sudeste de Asia, el Reino Unido, Canadá, Australia y Nueva Zelanda. El libro "The New Grove Dictionary of Music" describe el trabajo de McLean como "van de lo abstracto a la música orquestal y de la música de cámara a las obras electroacústicas dramáticas". A partir de 1978 la mayor parte de su música se ha centrado en el concepto del desierto y ha incorporado sonidos de animales y de la naturaleza, junto con la música sintetizada ".


lunes, 27 de julio de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 25 DE JULIO DE 2015 - MONOGRÁFICO LYDIA KAVINA



Lydia Kavina nació en Moscú y comenzó a estudiar theremin, el instrumento electrónico ruso más popular del mundo, cuando apenas tenía nueve años de edad bajo la dirección del mismísimo León Theremin, que lo inventó en 1919.

A los catorce años ya estaba dispuesta a dar su primer concierto con este instrumento singular que se ejecuta sin llegar a tocarlo y cuyo sonido nos sugiere música extraterrestre. Esto marcó el inicio de una carrera musical que la ha llevado a participar en más de un millar de conciertos y obras de teatro, radio y televisión en todo el mundo. Ha actuado como solista en lugares tan prestigiosos como el Gran Salón del Conservatorio de Moscú, el Barbican de Londres, y el Palacio de Bellevue en Berlín, entre otros; y ha sido invitada por los festivales internacionales de música más importantes.

Junto a la Orquesta Filarmónica de Londres, interpretó theremin en la banda sonora de Howard Shore para Ed Wood (Tim Burton,1994), así como para la de eXistenZ (David Cronenberg,1999) y The Machinist (Brad Anderson, 2004).

Además de dar conciertos, Kavina compone música para theremin y ha impartido clases en Europa, Rusia y los Estados Unidos. Es también una activa promotora de la música experimental para este instrumento, en colaboración con Barbara Buchholz y la Kamerensemble Neue Musik Berlin.

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 11 DE JULIO DE 2015 - MONOGRÁFICO LAURIE SPIEGEL



LAURIE SPIEGEL (Chicago, 1944), es uno de esos nombres eternamente respetados dentro de la música experimental y que figuran en toda antología habida y por haber. Pero si uno mira su discografía comprueba que, a lo largo de sus setenta años, no ha publicado más que tres discos originales. Tampoco ha actuado demasiado y ha preferido ganarse la vida con actividades colaterales, como educación, danza, películas, tecnología... 




martes, 7 de julio de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 4 DE JULIO DE 2015 - MONOGRÁFICO LAURIE ANDERSON



Laurie Anderson nació el 5 de junio de 1947 en Glen Ellyn, Illinois, Estados Unidos. Cantante, violinista, poetisa, dibujante y artista experimental de performance, en los que combina música minimalista, diapositivas y reflexiones irónicas sobre el lenguaje, la política norteamericana, el rol de los sexos y la civilización occidental moderna en su conjunto.

Ha inventado varios instrumentos, entre ellos el violín de arco de cinta, el cual tiene un cabezal magnético en lugar de cuerdas y una cinta de audio en lugar de las cerdas del arco, y un traje con sensores que disparan diversos sonidos de batería electrónica.

Estuvo casada con el cantante Lou Reed hasta la muerte del músico el 27 de octubre del 2013.

El trabajo de Laurie Anderson se aproxima a la crítca política y social pero sin determinar una línea explícita de decisiones a tomar frente a la obra, se nos presenta como una mixtura de diferentes expresiones artísticas y medios. Sin embargo es una crítica con carácter, ella nos puede explicar y determinar cada uno de los mensajes, pero también nos dice que son ambivalentes.



domingo, 21 de junio de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO - 20 DE JUNIO DE 2015 - MONOGRÁFICO PEDRO BERICAT



Pedro Bericat: “Somos esa especie de “viejantes” con el maletín lleno de represión”

Performer, provocador de nacimiento, envuelto por la mística y la enajenación poética, su obra empezó a hacerse hueco ya en el 82. Impactante por su peculiar percepción de la vida y del arte. Con muchas exposiciones a la espalda, tanto en pequeñas galerías locales como en el mismo Reina Sofía de Madrid, Pedro Bericat, continúa “interviniendo” todo lo que está a su alcance. 



MORADA SÓNICA EN CANDIL RADIO: ENTREVISTA TELEFÓNICA A JUAN ANTONIO NIETO - 19 JUNIO 2015


miércoles, 17 de junio de 2015

JUAN ANTONIO NIETO ESTE SÁBADO EN LA MORADA SÓNICA

JUAN ANTONIO NIETO MORADA SÓNICA LA OFICINA.ALMERÍA. SÁBADO 20 DE JUNIO 21.H Juan Antonio Nieto es un artista sonoro español que firma algunos de sus trabajos bajo el nombre de Pangea. Su obra ha sido publicada en compañías discográficas de todo el mundo como Trente Oiseaux, Mandorla, Experimedia, Impulsive Habitat, Idiosyncratics, Luscinia, AMP o Audiotalaia, entre otras. Nieto ha colaborando con algunos de los más prestigiosos artistas de vanguardia del mundo, como el compositor clásico brasileño Leo Alves Vieira con el que ha trabajado con el Quarteto de Cordas da Grota, el compositor serbio Igor Jovanovic, el escritor japonés Kenji Siratori que ha puesto voz a sus composiciones, la turntablista norteamericana María Chávez, la videoartista argentina Laura Focarazzo, colaboración que obtuvo el premio Diario de Levante en el Festival Incubarte de Valencia de 2012, el percusionista griego Chris Silver T. el músico argentino Luís Marte, el artista aleman Kris Limbach, el dúo español Oikos o el músico colombiano David Vélez, esta última obra fue considerada el mejor disco del año 2007 por la revista Earlabs. Su música ha sido incluida en diversas instalaciones artísticas como en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el Centro Cultural de España en Buenos Aires, el festival Fuga Lab, el Festival Moozak de Viena o el Abstracta cinema festival of Rome. En febrero de 2012 el programa de RNE, Radio clásica “Ars Sonora” dedicó un programa monográfico sobre su obra. Como artista invitado de “La Orquesta Mundana” actuó en el Museo Reina Sofía de Madrid. Juan Antonio Nieto es asimismo miembro del Hypermodern Group, un proyecto de improvisación libre que incluye entre sus miembros artistas como Frank Vigroux, Le Quan Minh o la leyenda de la percusión Han Bennink. Pangea ha actuado tanto en ciudades europeas como americanas. En sus composiciones, Juan Antonio Nieto utiliza tanto la informática musical como las grabaciones de campo o los instrumentos electroacústicos tradicionales, creando sonidos opresivos e irritantes que combinados de manera sutil y poética desembocan en atmósferas cautivadoras e hipnóticas o como Sarah Vacher escribió: “composiciones en las que, inagotablemente, aletean impulsos y drones de cambiante perfil, en espacios saturados donde apenas sí queda sitio para un alfiler. Van recorriendo por su cuenta y riesgo un gran panel de ricas frecuencias que da brillo a una paleta tímbrica estructuradora de extremada variedad y sutileza. Esporádicamente, aterciopelando las abruptas texturas y la crudeza sonora constructivista, se nos acercan cautivadoras entonaciones que agudizan el hipnotismo y avivan la ensoñación.” http://pangea-juanantonionieto.blogspot.com.es/?m=1 http://moradasonica.blogspot.com.es/?m=1 https://www.youtube.com/watch?v=8zjdLSIQyZI

domingo, 14 de junio de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA CANDIL RADIO 13 06 2015 - JUAN ANTONIO NIETO



Juan Antonio Nieto es un artista sonoro español que firma algunos de sus trabajos bajo el nombre de Pangea. Su obra ha sido publicada en compañías discográficas de todo el mundo como Trente Oiseaux, Mandorla, Experimedia, Impulsive Habitat, Idiosyncratics, Luscinia, AMP o Audiotalaia, entre otras. Nieto ha colaborando con algunos de los más prestigiosos artistas de  vanguardia del mundo, como el compositor clásico brasileño Leo Alves Vieira con el que ha trabajado con el Quarteto de Cordas da Grota, el compositor serbio Igor Jovanovic, el escritor japonés Kenji Siratori que ha puesto voz a sus composiciones, la turntablista norteamericana María Chávez, la videoartista argentina Laura Focarazzo, colaboración que obtuvo el premio Diario de Levante en el Festival Incubarte de Valencia de 2012,  el percusionista griego Chris Silver T. el músico argentino Luís Marte, el artista aleman Kris Limbach, el dúo español Oikos o el músico colombiano David Vélez, esta última obra fue considerada el mejor disco del año 2007 por la revista Earlabs. Su música ha sido incluida en diversas instalaciones artísticas como en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el Centro Cultural de España en Buenos Aires, el festival Fuga Lab, el Festival Moozak de Viena o el Abstracta cinema festival of Rome. En febrero de 2012 el programa de RNE, Radio clásica “Ars Sonora” dedicó un programa monográfico sobre su obra. Como artista invitado de “La Orquesta Mundana” actuó en el Museo Reina Sofía de Madrid. Juan Antonio Nieto es asimismo miembro del Hypermodern Group, un proyecto de improvisación libre que incluye entre sus miembros artistas como Frank Vigroux, Le Quan Minh o la leyenda de la percusión Han Bennink. Pangea ha actuado tanto en ciudades europeas como americanas.


En sus composiciones, Juan Antonio Nieto utiliza tanto la informática musical como las grabaciones de campo o los instrumentos electroacústicos tradicionales, creando sonidos opresivos e irritantes que combinados de manera sutil y poética desembocan en atmósferas cautivadoras e hipnóticas o como Sarah Vacher escribió: “composiciones en las que, inagotablemente, aletean impulsos y drones de cambiante perfil, en espacios saturados donde apenas sí queda sitio para un alfiler. Van recorriendo por su cuenta y riesgo un gran panel de ricas frecuencias que da brillo a una paleta tímbrica estructuradora de extremada variedad y sutileza. Esporádicamente, aterciopelando las abruptas texturas y la crudeza sonora constructivista, se nos acercan cautivadoras entonaciones que agudizan el hipnotismo y avivan la ensoñación.”



jueves, 11 de junio de 2015

BREUSS /GUILLÉN EN LA MORADA SÓNICA: HUELLAS DE GUANTES ALMERIENSES

PODCAST MORADA SÓNICA RADIO CANDIL: DAVID FIRST

Hoy en la Morada Sónica de Radio Candil, recorremos la transmutación musical de David First, desde la ígnea guitarra de los influyentes The Notekillers a la disolución celeste en su excelso "Drone Works", con estación en sus trabajos de síntesis analógica en Princeton. Un viaje de la ciudad a la transcendencia celeste que simboliza y materializa la propia historia creativa del downtown neoyorkino en su personal voz.

DAVID FIRST .Morada Sónica by A.L. Guillén on Mixcloud

domingo, 7 de junio de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA: TRAZON TECIB



Con unas semanas de retraso (mea culpa), ponemos a vuestra disposición el podcast del programa dedicado a TRAZON TECIB, el música que tocó el día 30 de mayo en MORADA SÓNICA, en la sede de LA OFICINA PRODUCCIONES CULTURALES.





martes, 2 de junio de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA: JABIR

Ya disponible podcast Morada Sónica de Candil Radio: JABIR:Vuelo eléctrico nocturno . Javier Sánchez, autor de dos trabajos editados en los años 80s que suponen una insólita pasión unitiva entre las técnicas compositivas aleatorias computacionales occidentales y el espíritu tímbrico de las músicas tradicionales andalusíes. Conocedor profundo de la tradición sufí ,músico, poeta , profesor, ingeniero industrial ...sus trabajos electrónicos suponen una isla personal de la que emanan la universalidad mecamística de su poesía eléctrica sufí, isla profundamente afín nuestro Gruppo Ungido y nuestra Morada Sónica. Gracias especiales a Andres Noarbe, por la valiosa información proporcionada para la realización de este programa.

JABIR: El Vuelo Eléctrico Nocturno. Morada Sónica by A.L. Guillén on Mixcloud

martes, 19 de mayo de 2015

VIDEO MORADA SÓNICA CCALM FEST: ERNESTO OJEDA, A.L.GUILLÉN,STAHLFABRIK

Ernesto Ojeda​ , A.l. Guillén​ , y Stahlfabrik​ siembran de Terror Ruidista las calles de Almería, en la Morada Sónica celebrada en el Festival ccALM, en los exteriores del Museo de Almería...

sábado, 16 de mayo de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA 18 DE ABRIL DE 2015 - MONOGRÁFICO PRIMO GABBIANO



Antonio Clavijo Victori es músico y artista visual de Barcelona. Ha sido el guitarra y compositor de bandas como Inés de Kastro, Nervo Zeleman, (sic), Amigos de las Hogueras, Kinoplatz. Ahora como Primo Gabbiano explora la faceta más experimental de la música, utilizando drones, paisaje sonoro, noise, ambient y electrónica primitiva. Con una amplia experiencia en los escenarios, su puesta en escena es marcadamente visual: se acompaña de los visuales de Visual Pal en un proyecto interdisciplinar.
Como artista visual ha elaborado el material audiovisual de las diferentes bandas donde ha participado y una docena de cortometrajes. En 2012, su exposición de videodanza, Contradansa, ganó el Primer premio de la Taula de les Arts Visuals de Manresa. Sus piezas de video han sido seleccionadas en diferentes festivales internacionales y muestras. Compagina su faceta artística con la dirección y presentación del programa semanal de radio La moto de Sasha.
En 2013 ha estrenado su primera obra de teatro, Rizomaquistelarva, en el Antic Teatre de Barcelona. Su gusto por la acción teatral y el happening le ha llevado a musicar performances, lecturas poéticas y espectáculos de danza. Tiene diferentes proyectos de colaboración con músicos y artistas de Madrid, EE.UU. y México.
Colabora de forma asidua con proyectos artísticos que investigan la intersección entre la música experimental y otras disciplinas. Destaca Polinèsia, con el poeta Gerard Vilardaga un proyecto de música, poesía y performance galardonado en 2014 con el Premi Tendències.




martes, 12 de mayo de 2015

MARKUS BREUSS EN LA MORADA SÓNICA ESTE VIERNES

MARKUS BREUSS EN LA MORADA SÓNICA ESTE VIERNES!! EN LA OFICINA (ALMERÍA). 21H PUNTUALES! PROGRAMA: 1º Lost and Hidden Items / Morada-Mix 2º Khyên 3º Huellas de Guantes almerienses MARKUS BREUSS: trompeta, electrónica. A L GUILLÉN: guitarra electrógena. Compositor ecléctico y decididamente innovador, trompetista e investigador de la electrónica, es una figura emblemática de la libertad creativa. Suizo afincado en España, fundador de Clónicos, ha trabajado en innumerables propuestas relacionadas con el free y la improvisación libre. Así mismo ha combinado en su música las más remotas influencias con una revisión drástica de la música popular a partir de la electrónica, el collage y las composiciones de cámara. Es ganador en le año 2012 del Premio de Creación Radiofónica de Radio Clásica. http://www.markus-breuss.com/

lunes, 11 de mayo de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA. MARKUS BREUSS

Hoy en la Morada Sónica de Candil Radio, monográfico MARKUS BREUSS, con motivo de sus conciertos próximos en Almería (14 mayo Clasijazz, 15 mayo Morada Sónica). Compositor ecléctico y decididamente innovador, trompetista e investigador de la electrónica, Breuss es una figura emblemática de la libertad creativa. Fundador de Clónicos, repasamos parte de su poliédrico legado en grabaciones, desde su colaboración con Tsukiko Amakawa(Faktor Bossar), hasta su presencia en el quinteto Almayate, o su premiada obra electroacústica "Pájaros en la Red" La Morada Sónica es el espacio radiofónico de Radio Candil dedicado a las músicas experimentales .El espacio está coordinado por Gruppo Ungido, y se emite los sábados de 21 a 22h (87.6, Almería).

MARKUS BREUSS. Morada Sónica by A.L. Guillén on Mixcloud

miércoles, 29 de abril de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA:RUTH CRAWFORD SEEGER

Hoy en la Morada Sónica de Radio Candil vindicamos la radical figura de RUTH CRAWFORD SEEGER, innovadora compositora norteamericana no siempre justamente recordada. Viajamos desde el sabor teosófico de sus primeras sonatas, a sus rompedoras composiciones madrugadoramente modernas, sin olvidar su esencial papel en la conservación del folk norteamericano con su marido Charles Seeger (padre de Pete Seeger).

RUTH CRAWFORD SEEGER. Morada Sónica by A.L. Guillén on Mixcloud

miércoles, 22 de abril de 2015

PRIMO GABBIANO en la Morada Sónica Almería, este sábado

PRIMO GABBIANO en la MORADA SÓNICA SÁBADO 25 DE ABRIL 21.H (MAXIMA PUNTUALIDAD) 4-6 EUROS LA OFICINA . ALMERÍA Antonio Clavijo Victori es músico y artista visual de Barcelona. Ha sido el guitarra y compositor de bandas como Inés de Kastro, Nervo Zeleman, (sic), Amigos de las Hogueras, Kinoplatz. Ahora como Primo Gabbiano explora la faceta más experimental de la música, utilizando drones, paisaje sonoro, noise, ambient y electrónica primitiva. Con una amplia experiencia en los escenarios, su puesta en escena es marcadamente visual: se acompaña de los visuales de Visual Pal en un proyecto interdisciplinar. Como artista visual ha elaborado el material audiovisual de las diferentes bandas donde ha participado y una docena de cortometrajes. En 2012, su exposición de videodanza, Contradansa, ganó el Primer premio de la Taula de les Arts Visuals de Manresa. Sus piezas de video han sido seleccionadas en diferentes festivales internacionales y muestras. Compagina su faceta artística con la dirección y presentación del programa semanal de radio La moto de Sasha. En 2013 ha estrenado su primera obra de teatro, Rizomaquistelarva, en el Antic Teatre de Barcelona. Su gusto por la acción teatral y el happening le ha llevado a musicar performances, lecturas poéticas y espectáculos de danza. Tiene diferentes proyectos de colaboración con músicos y artistas de Madrid, EE.UU. y México. Colabora de forma asidua con proyectos artísticos que investigan la intersección entre la música experimental y otras disciplinas. Destaca Polinèsia, con el poeta Gerard Vilardaga un proyecto de música, poesía y performance galardonado en 2014 con el Premi Tendències. primogabbiano.blogspot.com.es/ http://moradasonica.blogspot.com.es/ https://www.youtube.com/watch?v=nGj0J-BXaY0

domingo, 12 de abril de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA: PELAYO ARRIZABALAGA

Podcast del programa Morada Sónica dedicado a PELAYO ARRIZABALAGA. Escucharemos su música, con especial atención al nuevo CD "AAG" (en trio con . A.l. Guillén y Jesús Alonso García) editado por Gruppo Ungido que presentarán en Clasijazz (Almería) el próximo 16 de abril. Represetante fundamental de la experimentación musical, desde la música contemporánea a la improvisación, pasando por la electrónica y el free-jazz, o su carrera con los fundamentales Clónicos. Repasamos sus colaboraciones con Víctor Nubla, FMOL trio, Almayate o Frontion

PELAYO ARRIZABALAGA. Morada Sónica by A.L. Guillén on Mixcloud

miércoles, 25 de marzo de 2015

MORADA SÓNICA EN EL CC ALMERIA ESTE VIERNES (ERNESTO OJEDA, STAHLFABRIK, A.L. GUILLÉN)

El I Almería Creative Commons Film Festival, #ccAlm Film Festival, pertenece a la red ccWorld, integrada por más de 20 festivales internacionales de cine Creative Commons por lo que este festival va a permitir a Almería dar un paso de gigante en su consolidación como ‘tierra de cine’ situándola en la vanguardia audiovisual mundial. #ccAlm Film Festival nace para dar respuesta a la necesidad de acercar a la sociedad las nuevas fórmulas para gestionar y difundir la cultura que ofrecen las licencias Creative Commons, que se presentan como una alternativa más flexible que el copyright. La edición almeriense de este festival libre y gratuito cuenta con ciertas peculiaridades. #ccAlm Film Festival se distingue de otros encuentros de esta red por sobrepasar el género cinematográfico abriendo puertas a otras modalidades artísticas como la música, el cómic o las artes plásticas, prestando especial atención a los proyectos artísticos locales. Todas las obras y artistas de #ccAlm Film Festival tienen en común la licencia Creative Commons. El colectivo MORADA SÓNICA participará en el Festival Creative Commons Almería (CC Alm) este viernes. ARTISTAS: ERNESTO OJEDA, STAHLFABRIK Y A.L. GUILLÉN. MUSEO DE ALMERÍA . SÁBADO 28 DE MARZO, 22H GRATIS. Ernesto Ojeda Ernesto Ojeda (Sevilla), unos de los fundadores del colectivo de música experimental “Improvisarios” (que edita trabajos bajo licencia CC); tras abordar la temática de los sueños en sus últimos trabajos (NREM, REM y Z), estrenará para esta ocasión un nuevo espectáculo donde la electricidad será la protagonista. A.L. Guillén Afincado en Almería pero granadino de origen, este compositor e improvisador, ha sido miembro de los grupos de improvisación Alondra Satori o Almayate , y fundador de Sefronia , dúo de Pop en Oposición ; dirige la netlabel-colectivo andaluz de música experimental Gruppo Ungido, que edita trabajos sónicos experimentales bajo licencia CC. Stahlfabrik Barcelonés afincando en Almería, su sonido está hecho con sintetizadores reales, la mayoría de ellos, analógicos que no permiten programas de virtualización.Acaba de editar en Gruppo Ungido su aclamado trabajo "Ars". Contrariamente a su habitualmente más áspero sonido, ofrecerá con Guillén una inmersión sonora en secuencias oceánicas con las que dar la bienvenida a las noches primaverales, que transitará sin solución de continuidad hacia la tormeta eléctrica de Ernesto Ojeda. http://www.ccalm.cc/ http://gruppoungido.net/ https://improvisarios.bandcamp.com/ http://moradasonica.blogspot.com.es/ ÚLTIMO TRABAJO DE ERNESTO OJEDA (II III II III) EN GRUPPO UNGIDO/IMPROVISARIOS: https://archive.org/details/IIIIIIIIII_Z_OU18mu7 ULTIMO TRABAJO DE A.L. GUILLÉN EN IMPROVISARIOS: http://alguillen.bandcamp.com/album/059-6-virtudes-teol-gicas-y-el-pecado-del-capital ULTIMO TRABAJO DE STAHLFABRIK EN GRUPPO UNGIDO ("ARS"): https://archive.org/details/Stahlfabrik_Ars_OU21mu11 TRABAJO EN COLABORACIÓN A.L.GUILLÉN/STAHLFABRIK EN GRUPPO UNGIDO: https://archive.org/details/A.L.Guillen_Stahlfabrik_A.Guillen_ArtBrutMysterium_Almeria_OU10oo2

martes, 24 de marzo de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA 21 DE MARZO DE 2015 - PRESENTACIÓN CONCIERTO CREATIVE COMMONS 28 MARZO 2015



El próximo sábado 28 de marzo de 2015, el colectivo MORADA SÓNICA de Almería llevará a cabo un evento sonoro dentro del marco del CREATIVE COMMONS FILM FESTIVAL que se celebrará en la capital indálica del 25 al 29 de marzo. La aportación de MORADA SÓNICA consiste en un concierto en el que los artistas sonoros ANTONIO LUÍS GUILLEN, STAHLFABRIK Y ERNESTO OJEDA perpetrarán acontecimientos sónicos desde las 22:10 de la noche en el MUSEO ARQUEOLÓGICO DE ALMERÍA.

En este programa de hoy presentamos los ambientes sonoros de estos tres trabajadores del sonido para preparar vuestras mentes.

Disfrutad...



lunes, 16 de marzo de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA: AGUSTÍ FERNÁNDEZ

Hoy en la Morada Sónica de Radio Candil, monográfico AGUSTÍ FERNÁNDEZ, músico que estará tocando (e impartiendo taller) en Clasijazz (Almería) el próximo 21 de marzo. Agustí Fernández es uno de los exploradores más importantes de la música creativa en España reconocido internacionalmente, combinando en un estilo único y poderoso un amplio conocimiento del piano clásico del siglo XX con la improvisación. Sin buscar la ruptura con el pasado, su música encaja perfectamente en un presente musical donde los paisajes sonoros ya son una realidad irreversible. Un nombre fundamental dentro de la escena improvisadora europea.

AGUSTÍ FERNÁNDEZ.Morada Sónica by A.L. Guillén on Mixcloud

miércoles, 11 de marzo de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA 7 DE MARZO DE 2015 - MACROMASSA


Macromassa fue fundado en Barcelona en 1976 por Victor Nubla y Juan Crek como un laboratorio de experimentación especialmente centrado en las modificaciones electrónicas de los instrumentos de viento y la voz. Desde entonces y hasta 1997, año en que apareció su último disco "Puerta Heliogábal", el tándem Nubla-Crek produjo más de cuarenta grabaciones y cien conciertos. Es imposible resumir en pocas palabras todo este material. A lo largo de estos años la música de Macromassa ha caminado sobre sonidos industriales, ha parido creaciones conceptuales tan enrevesadas y delirantes como "Los hechos Pérez", ha cerrado fases vocales-literarias para dar paso en otros discos a otras completamente instrumentales y de improvisación, ha hecho que sus obras pasen por el filtro de la Banda Municipal de Tolosa, que las guitarras eléctricas aparecieran y desaparecieran, que las cajas de ritmos acabaran convertidas en dos baterías... Y todo ello siempre con un toque "macromássico" inclasificable. El mismo que nunca ha dejado al oyente indiferente ante la escucha de cualquiera de sus ocho álbumes.
Victor Nubla (1956) empezó su carrera artística a mediados de los años setenta. Compositor, videoartista y escritor, ha compuesto también música para cine, video, teatro y danza contemporánea. Ha trabajado en muchas otras bandas y proyectos: Colectivo de Improvisación Libre, Naif, El Cuarteto Albano, Nubla & Zulián, Agrupación Instrumental Phonos, El Consuelo Húngaro, Delirio de Dioses, Secreto Metro, UMYU, UMBN, Klamm, Clónicos, Zush-Tres, Bel Canto Orquestra, Leo Mariño & Victor Nubla y CKT3, entre otros.
Juan Crek comenzó su actividad como músico profesional también a mediados de la década de los setenta, con una base estilística cercana al rock psicodélico. Ha explorado numerosas áreas en las nuevas fronteras musicales. Hoy mantiene también una interesante carrera en solitario. 
Alrededor del núcleo Nubla-Crek, Macromassa ha contado siempre con la complicidad de músicos como Albert Gimenez, Antón Ignorant, Zush, Markus A. Breuss, Pere Boada, Kasper T. Toeplitz, Eric Blanchard, Patri Martinez o Pep Figueras. Algunos de estos mismos músicos participan también en el CD "Homenaje a Macromassa" (Tetra Brik Records, 2000) con versiones de temas de Macromassa a cargo de Superelvis, Clónicos, Pascal Comelade, Tina Gil, Carter Piler, etc, etc.



viernes, 27 de febrero de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA: CANTO DIFÓNICO

Hoy en la Morada Sónica de Radio Candil revisamos la recepción del ancestral Canto Difónico en la experimentación vocal. Desde las visiones heterodoxas de la tradición de Sainkho Namtchilak (en la imagen) o Oidupaa Vladimir, el puente emocionante con el blues de Paul Pena, o su interiorización en el lenguaje personal de Fátima Miranda, Joan La Barbara o Tanya Tagap. La Morada Sónica es el espacio radiofónico de Radio Candil dedicado a las músicas experimentales .El espacio está coordinado por Gruppo Ungido, y se emite los sábados de 21 a 22h (87.6, Almería).

CANTO DIFÓNICO Y MÚSICA EXPERIMENTAL.Morada Sónica by A.L. Guillén on Mixcloud

jueves, 12 de febrero de 2015

Mañana en la Morada Sónica: JOSEP LLUÍS GALIANA Y AVELINO SAAVEDRA

VIERNES 13 DE FEBRERO: MORADA SÓNICA (LA OFICINA ALMERÍA). 21H. J L Galiana : saxos; Avelino Saavedra: percusión , electrónica. Estos dos músicos de la escena valenciana vienen mapeando desde hace dos años los límites de lo imprevisto en música y la verticalidad de acontecimientos sonoros y artísticos. Entre la improvisación libre y el free jazz, Saavedra y Galiana deslindan música y ruido, dialogan en asimétricas derivas sonoras y exploran nuevos territorios asignificantes, con una química característica y arrolladora. En Almería se presentan en dos formatos distintos (acústico y electroacústico) para ofrecernos dos experiencias sonoras diferentes. http://www.joseplluisgaliana.com/discography/josep-lluis-galiana-avelino-saavedra-transitions-2013/ http://luscinia.ruidemos.org/transitions.htm http://moradasonica.blogspot.com.es/ http://clasijazz.com/ http://laoficinacultural.org/

martes, 10 de febrero de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA : GALIANA /SAAVEDRA

Hoy en la Morada Sónica de Radio Candil, monográfico Josep Lluís Galiana Avelino Saavedra, con motivo de sus conciertos en Almería (12 febrero Clasijazz, 13 febrero Morada Sónica). Estos dos músicos de la escena valenciana vienen mapeando desde hace dos años los límites de lo imprevisto en música y la verticalidad de acontecimientos sonoros y artísticos. Entre la improvisación libre y el free jazz, Saavedra y Galiana deslindan música y ruido, dialogan en asimétricas derivas sonoras y exploran nuevos territorios asignificantes, con una química característica y arrolladora. Escuchamos hoy integramente el concierto ofrecido por el dúo en La Azotea (Murcia), dentro del ciclo organizado por la Asociación Intonarrumori. La Morada Sónica es el espacio radiofónico de Radio Candil dedicado a las músicas experimentales .El espacio está coordinado por Gruppo Ungido, y se emite los sábados de 21 a 22h (87.6, Almería).

GALIANA-SAAVEDRA. Morada Sónica by A.L. Guillén on Mixcloud

domingo, 1 de febrero de 2015

PODCAST PROGRAMA MORADA SÓNICA 31 DE ENERO DE 2015: MONOGRÁFICO PASCAL COMELADE (PARTE 1)



Nacido el 1955 en Montpellier, en la región de Languedoc-Rosellón, Francia. Durante un tiempo se decía que había nacido en Sant Feliu de les Forxetes, un pueblo que no existe.[cita requerida] Siendo pequeño, por su casa pasaron muchos músicos del lado sur de la frontera.

Su madre, Eliana Thibaut i Comalada, es cocinera y autora de varios libros sobre cocina, especialmente cocina (medieval) catalana. Su padre, Pere Comelade, es psiquiatra.

De 1974 a 1978 vivió en Barcelona, en casa de Lluís Llach. Conoció, entre otros a, Maria del Mar Bonet, Francesc Pi de la Serra y Toti Soler, e hizo amistad con Ovidi Montllor y Víctor Nubla (músico experimental, miembro de Macromassa). En 1983 fundó la Bel canto Orquestra con Cathy Claret y Pierre Bastien.

Tras unos años en Montpellier volvió otra temporada a Barcelona, concretamente al barrio de Gràcia de Barcelona donde entró en contacto con una cierta bohemia, representada principalmente por el poeta Enric Casasses, con quien continúa colaborando, o el dibujante Max.

Es miembro de la Academia del Cinema Català.

Actualmente vive en Vernet.

Pascal Comelade es un músico difícil de definir. Es compositor y multiinstrumentista. Sus obras son a menudo muy cortas, de 2 o 3 minutos, y casi siempre instrumentales. De él se ha llegado a decir que es un rocker ultra minimalista o un clásico post moderno. Hace música de vanguardia sin olvidar las raíces.

Disfruta de un gran reconocimiento en Francia y en Japón. Se han editado recopilatorios especialmente para este último país, e incluso existe una banda japonesa, denominada Pascals que han editado dos discos, Pascal Comelade presents Pascals y Abiento. El primero es de versiones del músico catalán y el segundo incluye, además de dos versiones de él, varias composiciones propias y un par de adaptaciones de otros músicos.

Ha actuado por todo Europa y Japón.

Ha colaborado con infinidad de músicos. Como ejemplo, a nivel catalán con Toti Soler y Gerard Jacquet y a nivel internacional con PJ Harvey, Robert Wyatt, Richard Pinhas y Cathy Claret, que incluyó un título de Comelade en su disco "cathy claret" delabel/virgin. Hace tiempo que afirma que hará un disco con la cantante británica PJ Harvey. Colaboró con Jaume Sisa en la composición del álbum Visca la llibertat, y musicó el poema Bueno del dúo Accidents Polipoètics. Ha hecho varias bandas sonoras, especialmente para films franceses, y música para danza y teatro. Por ejemplo para los espectáculos Zumzum-ka y Psitt!!, Psitt!! de la compañía de Cesc Gelabert y para la adaptación teatral de La plaça del diamant hecha por Joan Ollé.


lunes, 26 de enero de 2015

PODCAST MORADA SÓNICA RADIO CANDIL: PATTY WATERS

Esta noche en la Morada Sónica de Radio Candil resucitamos la voz gnóstica de Patty Waters, en sus legendarios dos discos para ESP, que revolucionaron y expandieron el mundo de la Voz mucho más allá de sus origenes en el jazz más profundo y oscuro, hacia el éxtasis ménade. La Morada Sónica es el espacio radiofónico de Radio Candil dedicado a las músicas experimentales .El espacio está coordinado por Gruppo Ungido, y se emite los sábados de 21 a 22h (87.6, Almería).

PATTY WATERS. Morada Sónica. by A.L. Guillén on Mixcloud

lunes, 19 de enero de 2015

PODCAST PROGRAMA "MORADA SÓNICA" DE CANDIL RADIO - SÁBADO 17 DE ENERO DE 2015: MAURIZIO BIANCHI



El programa de hoy está dedicado por completo al artista sonoro italiano Maurizio Bianchi. Sus técnicas y obras, han estado presentes en la estructuración del lenguaje desde músicos que pivotaban en la oscuridad ambiental y un sonido decadente como los que han buscado esa sombra la década pasada desde el noise y el drone experimental hasta las continuas derivaciones que nos llevan a la cruzada con rítmica techno desde Sandwell District, pasando por Vatican Shadow y ese largo etcétera que retoma postulados de la primera etapa de la música industruial. De hecho, Fernow es quizás uno de los artistas presentes que ha sabido interpretar mejor los patrones de Bianchi, como gesto la reedición en 2007 en su sello Hospital de uno de sus discos emblemas de la primera época como “Symphony for Genocide” , orginalmente publicado en 1981. Un gran número de artistas que podrían tener cabida en estas comparaciones, aunque es el momento de sondear sus huellas con mayor profundidad para tomar una perspectiva mucho más apropiada de su figura.

Bianchi nació en 1955 en la norteña Pomponesco, una comuna en la provincia de Mantova, y comenzó su andadura en una etapa marcada por el punk y la música disco, culturas también presentes en Italia (como no recordar el italo-disco). Momentos económicos y sociales confusos y donde se vió envuelto por las premisas de una generación que trataba de reaccionar ante una visión inhumana y conformista. Esta fracturación y respuesta entendida según Bianchi, se traducía en una música cuyo espíritu deambulaba entre la desintegración sonora para alcanzar su sello distintivo y personal, alejándose de los grandes canales de comunicación y el trato de la música como producto capaz de ginerar ingresos económicos por encima de cualquier otra consideración artística. Sus primeros experimentos musicales nunca llegaron a ser documentados y según él, se trataban de experimentaciones con guitarra acústica de cuyos recuerdos tan solo prevalecen en lo que él denomina su “arcaica memoria”. Aunque admite tener entre sus gustos la música beat, sonoridades decadentes, cósmicas, el punk, electro-pop o el ruido, revela interés por facetas más experimentales y electroacústcias del momento, aunque tampoco se confiesa seguidor de los estandartes propios de la época como  Reich, Young o Riley. Se confiesa atraido por los trabajos de Pierre Henry, Schaeffer  y Luc Ferrari, aunque las similitudes con ellos las define como “coincidencias degenerativas”.

Esta huída de los clichés en los que se veía envuelto el panorama musical aquellos días , creando bandas prefabricadas y adquiriendo un sonido cada vez más amorfo y estéril. Esta fue una de las circusntancias que le llevó a auto-producir su música para salir fuera de los circuitos de una industria que no le permitiría expresar sus inquietudes sonoras con total libertad y sin someterse a presiones. Así, en 1979 empezó a publicar cintas bajo el nombre de Sacher- Pelz, donde empezaba sus primeros experimentos con la música concreta , las atmósferas turbulentas y el ruido. Este alias proviene de una derivación del escritor austríaco Sacher Masoch y su obra “Venus mi Pelz”, una de las obras más conocidas del autor donde la temática del masoquismo está presente y de hecho, cuenta con numerosos guiños en la cultura pop como es el caso de “Venus in Furs” de la Velvet Underground y llevada al cine n varias ocasiones. La temática del masoquismo y diversas tácticas que sirvieran como controversia y shock a una sociedad adormecida, era una de las habituales técnicas utilizadas aquella época por la generación industrial. Armado por aquel entonces con un plato y diferentes vinilos para crear diferentes loops y reverberaciones grabadas en cinta y posteriormente mezcladas con otros sonidos, produjo cuatro trabajos que ha día de hoy aun siguen vigentes debido a la renovación que hemos tenido esta última década de distinto sellos y artistas en la pasión por editar sus trabajos en cinta, buscando la peculiaridad de ese sonido, aunque al mismo tiempo como Bianchi buscan fragmentar sonidos y clichés de nuestros tiempos haciendo bandera también de la independencia artística como signo de integridad indiscutible.

Aunque posteriormente entraremos en su obra con mayor detalle, destacamos que los cuatro títulos fueron reeditados por el sello italiano Alga Marghen del que es responsable Emanuele Carcano, uno de los nombres clave en la documentación del trabajo de Bianchi durante los años ochenta. En 2001, se encargó de reunirlas en una recopilación bajo el nombre de “Mutation For  A Continuity”. Estas cuatro grabaciones comprenden un período de apenas seis meses que van desde agosto de 1979 a enero de 1980 en Milán, donde también se dedicaba a documentar las nuevas vías de expresión musical de esos años en distintos ensayos y referencias en publicaciones independientes. Años en los que entra en contacto con Nigel Ayers de Nocturnal Emissions, Masami Akita (más conocido posteriormente como Merzbow), Philippe Fichot, Michael Nguye, entre otros; además de la admiración por Throbbing Gristle, Tangerime Dream, Kluster, Monte Cazzazza o Konrad Schnitzler. Pero el punto más curioso de esta etapa sigue siendo su alias  Leibstandarte SS MB, en referencia al equipo de escoltas de Adolf Hitler. Las referencias al nazismo, como señalaba anteriormente eran utilizadas como táctica para impactar a un público narcotizado y una realidad donde el ser humano era incapaz de tomar la tecnología bajo su control ni sus evoluciones a largo plazo, como en el inicio de la era industrial donde las ventajas no dejaban ver inconvenientes com la destrucción de la capa de ozono y la contaminación que generaba a su alrededor degradando los habitats donde se encontraba.

Esta filosofía personal sobre la cultura industrial estaba fuera de estas referencias al nazismo, y se sentía más atraído por el  horrorífico aspecto visual de ellas.  De los contactos de aquella época, el más representativo es Steve Stapleton (Nurse With Wound) que le puso en contacto con William Bennett y le propuso editar su primer vinilo dentro de su sello: Come Organization. La grabación inicial que mandó Bianchi y editada bajo el título de “Triumph of The Will” en 1981, se presentaba para Bianchi como la oportunidad de ampliar su radio al público especializado del Reino Unido. Para ello firmó un contrato ficticio con el sello de Bennett y tras recibir las copias del trabajo que iba a ser publicado se llevó la sorpresa de ver como su nombre cambiaba a  Leibstandarte SS MB y había un speech nazi en la grabación. Aunque no del todo conforme con estos cambios, mandó un segundo trabajo para el sello de Bennett bajo el nombre “Weltanschauung” (1982) y cuya historia de intrusión por parte de Bennett acabó siendo la misma. Sin entrar en la inclusión del speech en el disco, obtenemos una clara evolución entre un trabajo y otro, fruto de la evolución que Bianchi estaba emprendiendo en nombre propio esos años con sus primeras obras indiscutibles, con un resultado mucho más sublime aunque resultando igual de agresivo convertido casi en una apisonadora de música concreta y ruidismo.

Una vez desecho del alias Sacher-Pelz, empezó a utilizar el acrónimo M.B. Para editar sus trabajos para intentar darle un toque misterioso a su identidad, aunque finalmente decidió usar su nombre completo para tener una sensación mucho más concreta del espíritu constructivo en su obra, de la que ya no podía disociar con tanta facilidad la parte de su personalidad implicada en ella. Su primer album en nombre propio se tituló “Mectpyo Blut” y seguía los caminos de Sacher-Pelz aunque con una mayor fijación por la electrónica que ya apuntaban sus trabajos anteriores. En esta etapa Bianchi cambió su set por un sintetizador Korg, otro sintetizador de segunda mano (del que no precisa modelo y lo describe como una de esas máquinas usadas por “cosmic couriers”), una caja de ritmo Roland KS20, una Echo-Box y un grabador de cinta de dos pistas. Las dos grabaciones, cada una dividida en dos segmentos, van mostrando la inquietud de Bianchi por crear lugares opresivos, donde nos sentimos de rodeados de atmosferas cuya paleta es en blanco y negro, y las melodías parecen desvanecerse entre el frio y el viento, aunque en el pasaje “Musique Belec” el tono rítmico se incorpora y te deja a sus pies al ser capaz de indentificarlo con nombres que representan actualmente la nueva vanguardia techno. En 1980, edita cuatro cintas que parecen marcar una especie de serie bajo distintos nombres: “Cold Tape”, “Voyeur Tape”, “Atomique Tape” e “Industrial Tape”. Las dos primeras fueron editadas en el sello inglés York House Recordings que servía de complemento al magazine Neumusik publicado por David Elliott, donde también aparecen compañeros de generación como MFH, Peter Schafer o Asmus Tietchens. Las dos últimas, aparecieron autoeditadas por el propio Bianchi de manera privada.

Al año siguiente, su obra siguió evolucionando aunque documentado en ediciones privadas como fue el doble volumen “Technology 1 & 2”, donde su trabajo se alejaba del ruido característico de su obra por un sonido mucho más cercano a la improvisación sintetizada, aunque con un tono mucho más minimalista en el fondo el torrente seguía siendo igual de dañino en estos cinco fragmentos. Además, otros trabajos seguían elevando el nivel de su obra como el tenso “Aktivitat” o “Nevro/Hydra”. Trabajos sublimes y completamente demenciales, que ponían entrada a su obra más reconocida de aquella época: “Symphony For Genocide”. El año siguiente, con su obra completamente asentada y sus técnicas consiguiendo adentrarse en nuevos parámetros volvió a lanzar cinco discos en nombre propio, completamente esenciales: “Mectpyo Bakterium”, “Menses”, “Endometrio”, la banda sonora “Morder Unter Uns/Neuro Habitat” y “Regel”. Estas cuatro referencias de 1982, son absolutamente esenciales para ver a Bianchi operar en territorios tan diferentes como la planeadora y emotiva segunda cara de “Regel”, casi un requiem cósmico, la progresiva pieza deudora de la escuela berlinesa (por la que matarían Bee Mask o Michael Geddees Gengras) enturbiada por todos los efectos demenciales y agresivos a los que nos tiene acostumbrados en “YRA” con una caja rítmica casi deudora de los viajes de Sun Ra, parajes cósmicos que parecen llevarnos también por el delirio psicodélico en “Stérile Règles” de “Mectpyo Bacterium”, terminando en el enfoque cinematográfico y contemplativo de banda sonora para película de terror de “Morder Unter Uns/Neuro Habitat”. Sencillamente, sublime.

Entre 1983 y 1984, Bianchi sigue aumentando su catálogo con interesantes obras cada vez mucho mejor estructuradas , pero al mismo tiempo reiteran conceptos que ya ha desgranado en otros discos. “Carcinosi”  y la entrada dentro del mítico sello de Gary Mundy (Ramleh), Broken Flag, con  “The Plain Truth”, son los puntos que desembocan en la decisión en cerrar esta etapa musical con “Das Testament” y la banda sonora “Armaghedon”. A partir de entonces, Bianchi decide poner punto y final a su obra que según su criterio ya había dicho todo lo que quería expresar en aquel momento, antes de caer en un estéril y repetitiva parodia de sí mismo. Tiempo que dedicó para abrazar la espiritualidad y las creencias religiosas, testigo de Jehová, además de emprender su vida marital. Desde entonces hasta su segunda vuelta al ruedo en 1997, el camino de paz emprendido por Bianchi se vio al mismo tiempo expandido por gente conocedora de su obra interesado en editar todo su material grabado aquellos años. Pese dar un orden cronológico en las referencias anteriores, la verdad es que es digno de resaltar la cantidad de trabajos que no fueron editados en su momento pero que ahora sabemos a que época pertenecen ayudando a completar el puzzle del torrencial talento destilado en esta primera etapa de apenas un lustro, pero que dentro de la historia de la cultura noise-industrial-experimental-electrónica y demás, supone todo un ámbito de estudio imposible de negar.

Una de las figuras más importantes en su vuelta fue la de Emanuele Marcano, reeditando en parte algunos de estos trabajos iniciales en su sello Alga Morghen, lo que hizo a Bianchi adoptar una nueva postura para regresar de nuevo a su trayectoria musical. Tampoco estaba del todo contento con la aparición de bootlegs de aquellas grabaciones y también decidió cortar de raiz con esa inexactitud que siempre está presente al hablar de su trabajo creando su propio sello Ees’T (en colaboración con Carcano), donde además publicó la primera serie de referencias que le devolvían de nuevo al panorama musica, como fueron: “Colori” (1998) / “First Day- Last Day” (1999) y “Dates” (2001). Trabajos donde Bianchi sepulta todo el sonido magmático y caótico de sus primeros trabajos en favor de una mayor presencia electrónica y ambiental ,intentando ser una imagen del estado de paz en el que se encontraba su alma.

Los discos que siguen a esta trilogía, empiezan a rebajar la escala de colores que apuntaba su vuelta por entrar de nuevo en un mundo mucho más sombrío donde sus obras en esta ocasión evolucionan con una nueva fijación por el sonido del piano y los teclados, desde un enfoque minimalista y utilizando en algunos discos posteriores como “Frammenti”(2002) y “Antartic Mosaic”(2003) samplers de sinfonías orquestales de Dvòrak, Vivaldi, Haydn o Schumann, entre otros. Ese mismo 2003, Bianchi recibe la noticia de Carcano de que quiere reeditar el trabajo “MB Plays Clockwork Orange” después de haberlo recibido del artista Vittore Baroni, lo cual sorprende a Bianchi ya que apenas se acordaba del material que había grabado en esa cinta que pertenecía a la etapa de 1980. Al mismo tiempo, su figura ya tenía el respaldo por parte de una gran escena de músicos interesados en su obra lo cual le llevó a iniciar una etapa donde las colaboraciones hacen extender su percepción personal en busca de una espiritualidad e intercambio de emociones. Estamos hablando de un artista insondable que sufre continuamente el impulso de ser redescubierto por generaciones próximas, aunque mucho de este trabajo lo afronta Bianchi exclusivamente por correo. Como definía su largo período de parón, perseguía el propósito de dejar un rastro fermentativo en la historia tras su alejamiento. “Una epiléptica semilla en una sociedad moribunda”.

Esta nueva etapa de Bianchi, es mucho más difusa y complicada de seguir aunque consigue al fin realizar obras con un mayor impacto como “Cycles” (Ees’T 2004), “A M.B. Iehn Tale” (SmallVoice, 2005), “M.I Nheem Alysm” (Silentes, 2006), “Mokushi XVI,XVI” (2006, Mirakelmusik) y especialmente el regreso a los terrenos del ruido crudo y volcánico con “Das Platinzeitalter” (Incunabulum, 2007)” junto la ayuda de Siegmar Fricke y Jozef Van Wissem y especialmente en 2009, las tres composiciones de “Ludium”.  También, fue curioso comprobar como Bianchi rescataba el alias de Sacher-Pelz en tres entregas con  “Clerzphase” (Stridulum, 2006), el ruidoso “In Hoc Urbia Miazi”(Old Europa Cafe, 2007) y “L.E. Cherz Pas” (TIBProd, 2010) que sondean más por el drone y el dark ambient, pero que no añaden ningún matiz más a su obra.

Volviendo a  2009 recibimos de nuevo la noticia de qye Bianchi volvía a poner parón a su obra un 19 de Agosto, aunque decidió ponerle un tono mucho más grave a tal parón con el disco “Apokalypsis XXIII”  con las notas “ was recorded in the summer of 2010 and is Maurizio Bianchi’s last ever electronic music album”, dejándonos con la sensación que su pasión por la música es capaz de consumirle de una forma tan voraz que tras unos años de vuelta necesita de nuevo volver a la paz y retomar con una nueva visión musical su crecimiento personal. Así que quedamos a la espera de sus movimientos escuchando una obra única e intransferible.

A continuación, como es costumbre en esta sección 5 discos de Bianchi que son debilidades personales (y en esta ocasión no está de sobra decir que ha sido una difícil elección y que quizás cada cierto período de tiempo cambiaría de opinión).

Es difícil tener una razón específica a la hora de señalar alguna de las cuatro referencias de Bianchi como Sacher-Pelz en los inicios de su carrera. “Cease To Exist” , la tercera de la saga fue creada entre Diciembre de 1979 y Enero de 1980 y quizás esté influenciado por ser la primera referencia de Sacher-Pelz que escuché. Es difícil escuchar estas entregas e imaginar cual era la visión exacta que tenía Bianchi de toda la generación industrial, de Nurse With Wound o TG, ya que el sonido que escupía bajo este alias está alejado de ambos mundos aunque al mismo tiempo puede haber explicación en ellos, aunque llevado a un punto de persistencia sonora que tan solo puede denotar pasión. El inicio con “Helter Skelter” parece devolverte lineas de bajo envueltas entre constantes repeticiones y ecos que se amplifican como si estuvieran envueltas de un huracán a su alrededor. El sonido frio y la sensación de ventisca inundan esta perversión inicial que se convierte en un mantra hipnótico y lunático, para tornarse mucho más meditabundo y tenebroso en “Massacre on Cielo D” con su aura de suspense clásico, rastros de electrónica primitiva en el sonido de “Sang Mon Amour”, el sonido punk aturullado de “Exterminans” y la suite final enorme e implacable: “Cease to Exist”, veinte minutos inexplicables que tan solo pueden siginficar una cosa: infierno. De todos modos, recomendar la recopilación de “Music for a Continuity” (Marquis,2001), como objeto imprescidible para todo amante de la música industrial de cualquier época.

Editado en Sterile en 1981 y posteriormente reeditado por el sello de Bianchi en el 98 , por Fernow dentro de Hospital Productions en 2007 y de nuevo en vinilo por Weird Forest en 2011. No son datos anecdóticos si tenemos que hablar de su obra más emblemática en aquella época. Sus composiciones consiguen abrazar de una manera menos caótica el magmático sonido producido en Sacher-Pelz aunque consigue darle una mayor coherencia como ya empezó a filtar en “Mectpyo Blut”. De hecho, tenía bastantes dudas para elegir entre los dos debido a una composición encerrada en este último como “Musique Belec” que en su tramo final es capaz de fundir el techno entre el rock lisérgico como un experimento aparentemente fortuíto pero que era capaz de llegar a un calado similar al de Fernow. Y aquí es donde volvemos a “Symphony for a Genocide” y el lógico amor procesado por un personaje como Fernow. El inicio con “Treblinka” es puro kraut cósmico y “Belzec” pura demencia noise. Es habitual en los discos de Bianchi encontrar insertados entre los pasajes más extensos, pequeños experimentos sonoros que han ido añadiéndose en sucesivas reediciones ofreciendo una mejor contextualización del álbum.

Como decía anteriormente, es difícil elegir uno de los discos de 1982 por encima de los demás. Estaba tentado de incluir alguno más en la lista, pero de todos modos sería reiterativo ya que en esta época las grabaciones de Bianchi siguen mostrándose caóticas y surgen como pura experimentación sonora que ha acabado documentándose. Las dos piezas largas piezas que lo componen, se encuentran dentro de mis favoritas de Bianchi: “YRA” y “Scent”. La primera, con su tono viscoso y degenerado con un trasfondo entre synth y marcial sigue con su particular refinamiento sonoro a golpe de tensión, conforme avanza los sintetizadores enloquecen y lo efectos se alternan entre una atmósfera cada vez más neurótica y realmente psicótica, hasta acabar atiborrada de distorsión y caos errante. La extensión con “Scent” sigue siendo trágica, pero en este caso hay un sentido mucho más dramático y emocional que en el trasfondo opera como potente descorazonador entre hipnóticas capas de ruido. Pero insisto, “Regel” o “Mectpyo Bakterium” siguen siendo capaces de cambiar mi opinión al respecto cada vez que pienso en cuál me gusta más.

De nuevo las dudas me asaltan al elegir el último disco esencial de su primera época. ¿El dislate definitivo con “Das testament” o la demencia ambiental de la banda sonora “Armaghedon”? Difícil elección, cuando ambos discos comparten muchos punto sen sus coordenadas. Las dos piezas de ambos discos, estiran el pulso hacia una suerte de electrónica cósmica cuyas exploraciones synth buscan en Pierre Henry pero lo amplifican casi en un pulso dub que acaba pareciendo Bianchi un lunático manipulador del sonido cercano a Sun Ra. Reeditado en el sello de Bianchi, Ees’T, el añadido de “Live at Radio Popolare 1-1-83” termina de decantar la balanza personal hacia el lado de este testamento sonoro, que difícilmente pudo levantar Bianchi en su vuelta, pero que con el tiempo también comenzaremos a otrogarle el puesto que se merece en su obra. Aunque precisamente en este contexto, la primera parte de la travesía sonora de Bianchi es sencillamente esencial.

Pese a comentar la dificultad que entraña acercarse a la obra de Bianchi desde su regreso en el 97, su progresión cada vez fue mucho más inquieta y fue alejándose de los moods sosegados y plácidos de la primera parte de su trilogía y llegó incluso a enfrentarse de nuevo a torrenciales y desenfocadas viñetas de ruido moldeado con el particular sentido esquizofrénico que lo caracterizaba en discos como “Mokushi XVI,XVI”. Pero si hay un disco que me transmita esa paz espiritual a la que Bianchi le había dedicado un largo período de su tiempo sería este íntimo y minimalista “A M.B. Iehn Tale” para el sello italiano SmallVoices. El gran conductor, entre la espesa y densa niebla drone cercana a Basinski, en este disco es el piano y sus notas dejando su presencia entre espirales que parecen esconderse en diferentes distancias, intentando averiguar de donde procede el eco de ese sonido en una pieza como “Aseptyc” o la simple belleza de “Electrlyte”, una pieza que rebosa de belleza otoñal o la mayor espesura de “Hormone” . Aunque los experimentos se extienden hacia los loops que juguetean con Riley y acaban pareciendo Oval en una pieza como “Martyr” por su derivación glitchista. El punto final con “Tale” es simplemente descorazonador. Bianchi, emoción y caos. Belleza y demencia.Pero donde no hay contrasentido es en el término pasión al referirnos a su música.